Tutoriel rapide :

1. Froisser un papier en l’humidifiant pour ensuite l’enrouler autours d’un manche à balais par exemple.
2. Le compresser verticalement le long de ce manche.
3. Une fois le papier séché, l’enlever du manche pour l’étaler à plat, tout en laissant les pliures.
4. Peindre ensuite de différentes couleurs, en défroissant plus ou moins le support.
5. Défroisser le tout

Et voilà le résultat !

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Les conseils que je vais vous donner ici sont particulièrement applicables à l’utilisation du crayon graphite.
Comme d’habitude, il faut aller du global au détail. À chaque étape, vous devez vous assurer que l’ensemble reste cohérent, qu’il n’y a rien de dissonant. Et si votre instinct vous dit qu’un élément n’est pas tout à fait correct, corrigez-le tout de suite. Quitte à le gommer pour le reprendre, et ce à n’importe quelle étape.

Au crayon graphite, le travail global est simple. Il suffit de monter progressivement en valeurs, en contrastes. On commence léger avec un crayon H, puis au fur et à mesure on monte dans le gras, avec un crayon HB (le standard), puis du 2B, du 6B et finir les éléments les plus marqués avec du 8B.
Attention ! Il faut tenir le crayon de façon légère, pas comme un stylo. Laissez de la longueur entre la pointe et vos doigts, pour que la pression ne soit pas trop forte et que le geste reste fluide. Prenez plutôt le crayon par le bout.

Pour le portrait d’aujourd’hui, la volontaire cette fois-ci s’appelle Lori Moore, 32 ans. Vous pourrez la retrouver dans l’ouvrage « Facial Expressions » de Mark Simon. Apparemment, quelque chose a fâché Lori, l’obligeant à s’arrêter brusquement dans ses activités. Donc Lori pile.

Tout d’abord, repérez avec un crayon H les formes principales, les masses. Placez le nez, les yeux, la bouche, en faisant attention aux rapports qu’ils ont les uns avec les autres (repérez les coins de la bouche par rapport au coin des yeux, etc.).
Observez sur la photo comment je tiens mon crayon.

 Vous pouvez ensuite, avec un crayon HB, commencer à dessiner les éléments, sans rentrer dans le détail.

Continuez à placer les masses, les éléments. Dans mon cas à ce stade, un truc me chafouine mais je ne sais pas encore ce que c’est. Je continue donc, mais je garde à l’esprit que quelque chose cloche.

Montez en valeur avec du 2B. Vous pouvez commencer à hachurer sans trop appuyer. Pourquoi ? Pour pouvoir estomper ces zones par la suite.

Comment estomper, adoucir des zones ? Et bien grâce à un estompe. Un estompe est un rouleau de papier poreux fin, légèrement pointu aux deux extrémités. Il peut être utilisé pour mélanger du fusain, de la sanguine, des barres de peinture pastel, etc. Il permet d’adoucir le dessin et de faire des fondus en frottant le dessin avec.

À ce stade, j’ai trouvé ce qui me dérangeait sur le travail en cours. Sur la photo de l’étape 4, cela peut sembler évident, mais quand on a le nez dans le dessin, ça l’est beaucoup moins. D’où l’intérêt de régulièrement prendre de la distance avec son travail en cour, en l’éloignant de soi.
Il s’agissait principalement des yeux, que j’avais fait trop rapprochés. Je les ai donc gommés, et refait.
En dessin il ne faut pas faire de chichi.

Et pareil pour le nez, que j’ai fait trop court. Allez hop, on gomme ! Même si cela n’a pas l’air de faire plaisir à la dame.

Vous pouvez aussi continuer à accentuer les valeurs en utilisant du 6B.
Une fois les corrections faites (en mélangeant HB, 2B et 6B en fonction des besoins), vous pouvez continuer sur les cheveux. Progressivement, toujours en tenant le crayon par l’extrémité afin de rester léger.

Une fois le visage fait, le fond peut être attaqué ainsi que le reste du corps. Pourquoi faire ceci à la fin alors que c’est en général le contraire en peinture ? Parce qu’au crayon graphite, on ne superpose pas les couches, on les renforce. Ainsi, faire le fond et le reste du corps en dernier permet ici de ne pas se salir la main et la feuille lorsque l’on travaille le visage.
Au passage, j’ai corrigé sa dentition du bas qui n’était pas assez marquée.

Enfin, découpez au cutter le portrait au bon format, collez-le sur une plus grande feuille et voilà ! C’est fini !

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Comme vous allez le voir, et comme je le dis souvent à mes élèves (n’est-ce pas ?), il suffit en dessin, comme en peinture, d’aller du global au détail. Petit à petit, on affine notre construction, notre dessin. Jusqu’à ce que l’on en soit satisfait ou, pour les perfectionnistes, que l’on nous dise de nous arrêter.
(Pour les plus pressés, il y a à la fin de cet article une animation qui résume le tout, sans parole)
 
Nous allons donc choisir un quidam au hasard, qui aura eu la gentillesse de nous présenter son plus beau visage. Je vous présente George Booth, 76 ans, qui a accepté de poser dans l’ouvrage « Facial Expressions » de Mark Simon.

Cela ne sert à rien de se lancer trop rapidement sur un œil ou un coin de bouche, y passer des heures, pour ensuite s’apercevoir que l’œil en question est trop haut… et donc à refaire. Il vous faut dont faire le visage au global, et placer les éléments importants, caractéristiques (yeux, bouche, nez, buste). Il s’agit de repères, il n’est pas nécessaire d’être précis.

À partir de là, on place d’autres éléments, petit à petit. Alors oui, c’est encore vilain, mais ne lâchez rien, Rome ne s’est pas faite en un jour !

On affine, on corrige. Pour éviter les déformations, on pense de temps en temps à s’écarter du dessin. On fait un pas en arrière et on vérifie l’ensemble. On ne reste pas le nez collé dessus.

Quand vous êtes persuadés que l’élément est bien placé, vous pouvez commencer à le détailler.
À noter que pour réussir un portrait, il faut parfois oublier que l’on fait un visage et donc considérer l’ensemble comme un objet, pour que notre cerveau ne nous joue pas de mauvais tour. Cela nous permet par exemple de nous apercevoir que le sommet du crâne de George n’est pas rond, il y a une sorte de pointe, à reproduire.

Notez aussi que les dents ne sont pas à détailler si vous ne voulez pas que votre portrait au final donne une impression bizarre. Pourquoi ne faut-il pas détailler les dents ? Je n’en sais rien et n’ai jamais réussi à trouver une information l’expliquant. Mais pour en être convaincu, faites l’expérience vous-même et verrez qu’une reproduction de visage avec des dents détaillées, ça ne marche pas. C’est comme ça, notre cerveau est ainsi. Cela fait partie des mystères de l’être humain.

Et ça continue encore et encore. C’est que le début, d’accord, d’accord…
Vous avancez sur les détails, vous faites le fond si l’envie vous prend (en général on le fait au début).

Et plus vous avancez, plus vous précisez votre trait. Vous retendez certaines parties du visage, pour éviter d’avoir trop de parties molles, le défaut de beaucoup de portraits. Vous poussez les contrastes.

Jusqu’au bout il vous faut rester critique par rapport à votre œuvre. Bien sûr, de manière constructive et bienveillante car, rappelez-vous, vous êtes sensés vous faire plaisir. Petit à petit, vous continuez à retoucher ce qui mérite de l’être, sans relâcher votre attention.

Par exemple ici, c’est à la toute fin que j’ai finalement repris le nez (qui ne me plaisait pas depuis un petit moment), et en prenant du recul, j’ai aussi retravaillé le bas de la mâchoire de George, qui est plus prononcée que ce que je n’avais fait. J’ai aussi refait une passe sur les oreilles, trop régulières. Et surtout repris sa lèvre supérieure, que mon cerveau m’avait poussé à déformer.
Toujours garder un œil sur le global !

Et puis voilà, c’est fini :

Et comme promis en début d’article, voici une animation qui vous permettra de voir la progression de l’ensemble :

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J’ai voulu dérouiller mes pinceaux acryliques pour un court exercice et réaliser une rapide toile à la manière de El Greco, grand peintre du maniérisme entre autres.

Alors tout d’abord les modèles utilisés, que j’ai associés pour ma propre toile :

1) Une carte postale du portrait de « Antonio de Covarrubias » par Le Greco :

2) Une ré-interprétation libre du Compte Buenavente, peinture grand format réalisée à la manière du Greco par mon ancien maître de peinture Edgar Saillen :

À présent, les étapes :

Tout d’abord, le travail au fusain (2 heures).
Pour ce genre de peinture, c’est un travail important qui pose la base de ce que sera la toile une fois finie.
Ne pas exécuter cette étape correctement, c’est prendre le risque d’avoir des problèmes de proportion, de positions, voir de compréhension. Une peinture, c’est comme une maison, il lui faut des fondations solides.
Le fusain est ici pour les poser.
Pour ma part, j’ai décidé de prendre le manteau d’Antonio de Covarrubias pour lui mettre la tête du Compte Buenavente. Ici, cela m’a permis de mieux comprendre ce qui se passait avec le manteau, de travailler les yeux et de respecter le visage à allonger pour rester dans les codes d’El Greco.

Ensuite, un fond rapidement brossé pour ensuite peindre (3 heures).

Résultat final :

Alors évidemment, le tableau est encore brut de décoffrage et je pourrai encore continuer sur un certain nombre de séances. Les lèvres notamment sont à affiner, les yeux aussi, mais l’idée étant de montrer ce que l’on peut faire en quelques heures.
Vous aussi, faites-vous plaisir !

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Voici la suite de la progression de mon dernier tableau en cours, « Reconstruction ». Autoportrait cosmique, je continue son exploration introspective, où abstraction et figuration s’entremêlent.

Comme j’avais les mains dans la peinture en permanence, je n’ai pris qu’une photo, à la fin de la journée. Du coup, pour compenser, je vous mets en bonus 2 croquis rapides (10 minutes chacun) que j’ai fait la veille histoire de me dégourdir un peu la main.

(comme d’habitude, vous pouvez cliquer sur l’image pour la voir en plein écran)

Note : l’œil avisé aura remarqué que le tracé à la craie (cf. étape précédente) a disparu…

Et voici le bonus, 2 croquis de 10 minutes, d’après photo :
(vous pouvez cliquer dessus)

La suite bientôt !

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Une fois n’est pas coutume, ce seront uniquement les images qui illustreront mon travail.
Une seule chose à se rappeler est que le tracé blanc sur le tableau est à la craie, et donc voué à disparaître…

À la fin du précédent post, on en était là :

Depuis, voici les évolutions :
(rappel : vous pouvez cliquer sur les images pour les voir en plein écran)

Et voici donc le résultat à ce jour :

La suite bientôt !

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Bonjour et bon mercredi !
Comme je vous l’ai promis dans une précédente note, voici l’aventure que je vis avec mon dernier tableau en cours, « Reconstruction ».
Pour celui-ci, mon idée de départ est de représenter un visage, à ma façon. C’est à dire déconstruit et avec le style graphique qui me caractérise.

Alors comme d’habitude, vous pouvez cliquer sur chaque image pour la voir en plus grand.

Tout d’abord le fond effet sable avec des gouttes d’eau teintées.

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Le fond en détail.

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J’ai gratté les gouttes encore humides, et commencé à esquisser un visage à la craie. À savoir : en peinture, la craie sert de brouillon, de « crayon de bois », et est destinée à être gommée.

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Je continue l’esquisse au pinceau jaune et efface la craie.

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Je continue à faire apparaître un visage.

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Ce n’est pas du tout le résultat final que je souhaite. C’est juste pour m’imprégner du tableau, et un peu pour le fun.

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Détail de l’état du moment.

Résultat à la fin de la journée : le Roi Soleil.

La semaine suivante

Je reprends une esquisse de visage à la craie car, ayant eu le temps de réfléchir, j’ai l’intention de réaliser un autoportrait. Non pas un autoportrait fidèle (genre d’après photo), mais plutôt de mémoire, tel que je me représente. Je suis en effet curieux de voir comment mon inconscient me perçoit.
(en anecdote, comme on me l’a dit à l’atelier : « Quoi, tu te dessines en Roi Soleil ?!? »)

Bof, la barbe ça ne me va pas trop.. Je l’enlève (surtout que je n’en ai pas), et je cherche.

Recherche 1

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Recherche 2

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Recherche 3

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Recherche 4

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Avec des magnets ronds, je rigole un petit coup !

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Mais blague mise à part, ces magnets me permettent de placer exactement là où je le souhaite les pupilles (mal placées à un millimètre près, ça ne rend pas du tout !)

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Et de placer des caches en papier pour peindre au couteau.

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Afin de réaliser 2 petites planètes.

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En voici le détail :

Et ensuite j’ai commencé à placer un amas de météorites au niveau de la masse des cheveux.
Rappelez-vous, les traits blancs sont à la craie et donc condamnés à disparaître. En fait, je cherche à réaliser un tableau où l’on pourra voir à la fois mon univers cosmique et mon visage, avec mon style de peinture. Oui, cela fait beaucoup de « mon », mais que voulez-vous, il s’agit d’un autoportrait

La suite bientôt !

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Bonjour et bon week-end,
alors comme je vous l’ai promis dans ma précédente note, voici l’histoire de ma peinture « Exploration », véritable œuvre cosmique. Cette fois-ci, ce sera sans parole ni détail technique. La seule information à savoir, c’est que certaines de mes photos sont prises suivant 2 modes d’exposition (normal et HDR), qui comme vous pourrez le constater peuvent donner une photo très différente.

Alors comme d’habitude, vous pouvez cliquer sur chaque image pour la voir en plein écran.

Et voici une animation entre le mode normal et le HDR, pour vous faire ressentir la désorientation visuelle :

Et voici enfin le résultat final :

That’s all folks !

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Bonsoir à tous, c’est la séance Peinture !
Et voici donc la finalisation de ma peinture « Frais Racer », jeu de mot avec Frère et Sœur

Alors rappelez-vous, la dernière fois c’était ça :

(Pour voir les images en plein écran, cliquez dessus)

Comme les pastilles noires ne me satisfaisaient pas, j’ai donc continué en créant des étoiles avec un mélange de peintures terre, noir et or, en les étalant avec l’autre extrémité du pinceau…

… pour ensuite décoller une à une ces pastilles au couteau :

Une fois toutes les pastilles finies, comme je ne les trouvais pas assez finies, je leur ai mis un liserai noir afin de renforcer leur présence et surtout afin de les mettre davantage au premier plan :

Une fois la couche de verni appliquée, voici enfin le résultat :

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Voici la suite (2/2) de l’élaboration de mon avant-dernier tableau à l’acrylique, « Prelude to childhood », qui pourra vous servir de tuto.

Alors , pourquoi « Prelude to childhood » ?
Comme vous allez le voir, tout est lié (quel suspens !)

Concernant ce qu’il y avait au précédent épisode, nous avions le tableau suivant :

(Petit rappel : vous pouvez cliquer sur les images afin de les voir en plein écran)

Et voici donc ce qui manquait, et qui justifie le nom surprenant de ce tableau :

UN BIBERON STELLAIRE !
Quoi, vous ne le voyez pas bien ? alors regardez celle ci-dessous

Alors pourquoi un biberon stellaire ? Et d’où vient cette idée « co(s)mique » ?
En fait c’est très simple. Lorsque je cherchais quel élément central je pourrais mettre au centre de ce tableau, l’univers déjà présent me faisait beaucoup penser à mes lectures d’Arthur C. Clarke. Ce coté spatial, mystérieux… Du coup, je me suis rappelé de son œuvre majeure, « Rendez-vous avec Rama » (titre original : « Rendezvous with Rama« ), que j’avais énormément appréciée.
Pour la petite info, il s’agit de la découverte dans l’espace d’un gigantesque cylindre métallique (50km de long par 20km de diamètre), sans aucun doute de conception extra-terrestre. Une mission terrestre s’ensuit pour aborder l’engin, et y découvre un monde vivant et habité à l’intérieur. Du grand art !
Du coup, c’est à ce cylindre que j’ai pensé. Mais il était hors de question d’en faire un, vu qu’il ne s’agit pas ici de faire la couverture d’un livre (qui soit-dit en passant peut être magnifique). Je voulais rendre un hommage, faire un clin d’œil, mais surtout amener quelque chose de surprenant et curieux dans mon œuvre. J’ai donc pensé « cylindre », mangé « cylindre », dormi « cylindre », bu « cylindre », jusqu’à ce que je repense à mon thème de prédilection : mon bébé Nathan. Du coup, « cylindre », « bébé, et bien cela me donne… « Biberon » ! Tout ce tient, Eurêka ! ! !

Évidemment, je ne me suis pas arrêté là. Le biberon, c’est sympa, mais je voulais lui donner un contraste particulier dans la peinture.
Du coup, j’ai cherché à lui mettre un coté graphique décalé, avec un traitement très dessin-animé.

J’ai tout d’abord ajouté des raies de lumière et entouré d’un bandeau blanc le charmant petit objet central.

Ensuite, ajout d’un halo vert avec un traitement un peu funky (liseré rouge par exemple) pour renforcer l’étrangeté de la scène. Ajout aussi de relief sur le Biberon.

Ensuite, ajout d’une petite bulle de lumière, en prévision d’en ajouter de plus grandes.

Voici ce que cela donne alors :

Enfin, après de nombreuses retouches apportées, telles que les autres grandes bulles/reflets, renforcement du relief du Biberon, etc., voici le résultat final :

En bonus, une photo de l’atelier où j’ai le plaisir de peindre :

Voilà, vous savez tout, enfin presque
Effectivement, pourquoi ce titre « Prelude to childhood » (Prélude à l’enfance) ?

Et bien en raison de 2 nouvelles écrites par le fameux Arthur C. Clarke.
En effet, mon tableau m’ayant beaucoup fait penser à l’ambiance de ses livres, j’ai redécouvert qu’il en avait écrit deux, « Prelude to Space » (Prélude à l’Espace) et « Childhood’s End » (La Fin de l’Enfance), au titre particulièrement évocateur et dont les thèmes me parlent tout particulièrement.

• « Prelude to Space » (Prélude à l’Espace) est une nouvelle écrite en 1947. Elle raconte les événements qui ont précédé le lancement de Prométhée, premier vaisseau spatial au monde capable d’atteindre la Lune. Elle a été écrite avant les missions Apollo (sur la Lune) et décrit la vision que le voyage dans l’espace Voyage est réaliste et à la portée de la population.
• « Childhood’s End » (La Fin de l’Enfance) est une nouvelle de 1953, qui décrit une histoire imaginaire de la race humaine. Le nationalisme, les préjugés raciaux et de cruauté envers les animaux y sont interdits. La course à l’espace est la principale compétition entre les grandes puissances. Mais elle est stoppée lorsque des vaisseaux se positionnent précisément au-dessus des principales villes de la Terre… Après une semaine, les extra-terrestres annoncent dorénavant superviser les affaires internationales pour empêcher l’extinction de l’humanité. Comme des seigneurs, ils apportent la paix, mais l’humanité n’est plus indépendante et exclue de certaines activités comme l’exploration spatiale. Évidemment, le doute s’installe parmi certains…

Le titre de mon tableau est donc un mélange de ces 2 titres et m’a donné « Prelude to Childhood » (Prélude à l’Enfance), ce que je trouvais très poétique.
Voilà !

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Pourquoi « Prelude to childhood » ? Et bien vous le saurez au fur et à mesure que je vous dévoilerai son histoire…

Alors tout d’abord, j’ai beaucoup joué avec les couleurs. J’ai ensuite déposé du Sopalin® sur tout le tableau à l’horizontale. J’ai mis de l’eau colorée dessus pour créer des effets moirés. J’ai aussi griffé la surface pour faire des stries. Et rapidement enlevé le Sopalin®. Voici le résultat :

(Vous pouvez cliquer sur les images pour les voir en plein écran)

J’ai alors repris le centre du tableau pour lui donner d’avantage de lumière, avec une teinte orangée.
Il parait évident que j’ai eu un déclic : faire une image spatiale.

Je me suis amusé à donner des effets de matières en créant des irrégularités. En effet, les prises de vues dans l’espace montrent souvent des nuages, des halos, etc. qui sont autant d’éléments qui donnent de la vie à cet environnement sans air.

Et voici le résultat (pour l’instant) :

Maintenant, la grande question est :  » Mais que va-t-il mettre au centre de cette peinture ? « 
Un petit indice : le titre de ce tableau, « Prelude to childhood ».
Voilà, vous savez tout.

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(Vous pouvez cliquer sur les images pour les voir en plein écran)

Bon, il faut d’abord que je vous dise 2 choses :
1) Je n’ai pas pris de photo depuis le début.
2) Ensuite, il s’agit de couleurs fluorescentes, que mon appareil photo n’a pas du tout réussi à rendre (et moi non plus malgré de nombreuses tentatives de retouche photo avec Gimp).
Vous allez devoir faire travailler votre imagination !

Voici donc l’histoire de ce tableau : j’ai commencé avec un fond uni, entièrement jaune fluorescent. J’aime les challenges.
À partir de là, j’ai voulu laisser libre cours au sensations du moment en m’amusant au couteau, avec une autre couleur fluorescente, orange/rouge cette fois.

J’ai beaucoup aimé mettre du mouvement et jouer avec les effets du plat de cet outil, ainsi que sur la rapidité des mouvements.

Ensuite, je me suis aperçu que ce serait bien de mettre en relief toute cette dynamique. Comment ? En soulignant au feutre noir certaines formes. Et en mettant des lignes de force (comme dans les mangas). Ainsi, chemin faisant, j’ai eu de plus en plus envie d’ajouter des motifs sous forme de traits, de pointillés, afin de faire des effets de trompe-l’œil.
Je les ai fait très nombreux au centre, et de plus en plus légers au fur et à mesure qu’on s’éloigne du centre du tableau. J’espère que cela vous fera penser à plein de choses, car le but est que l’on s’imagine reconnaître une forme, mais qu’en se rapprochant, le tableau joue avec nos sens.

J’ai mis aussi une explosion depuis le cœur du sujet avec des dépôts épais de peinture verte, couleur de l’espoir. J’aime jouer avec les contradictions. À partir de là, afin de différencier certaines lignes de force, j’en ai repris en leur incrustant une fine ligne blanche.

J’ai ensuite rehaussé les « bulles » vertes avec des reflets blancs, pour leur donner un effet de brillance. J’ai refait aussi de nombreuses reprises à la pointe fine noire.

Et voilà le résultat :

Si vous oubliez à présent toute cette débauche de détails techniques, j’espère que ce tableau vous fera ressentir de nombreux sentiments.
PS : merci Gab pour ton soutien.

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J’ai commencé à travailler l’aspect graphique de l’ensemble en surlignant en noir les rubans argentés. Pour l’instant, c’est un début, que je vais améliorer au fur-et-à-mesure et les plaçant un peu partout, et surtout en reprenant certains traits trop marqués.

En voici des détails :

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Finalisation de ma peinture en cours, « Oxys ». Elle représente l’expression des émotions, et comment les représenter de façon exhaustive, de manière toute personnelle.

Dans la pratique de ce tableau, je me suis amusé à mélanger les fameux smileys pour donner une mixité de sentiments, reflets de toutes les émotions qui nous traversent lorsque l’on voit Dame Nature à l’œuvre pour mettre au monde un charmant bébé. J’ai aussi rajouté un cadre (symbole de l’esprit que l’on veut cartésien), qui malgré sa présence ne peut empêcher de tout voler en éclat face aux contrastes de sentiments présents au centre.

Et voici comme à l’accoutumée quelques vues de détail (cliquez sur les images pour les voir en plus grand) :

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J’ai pu reprendre ma peinture Nat&Sens (que j’avais nommée auparavant Naissance). Il s’agit du deuxième volet d’un triptyque autours de la Naissance de Nathan, événement marquant tant par la durée de préparation que par la soudaineté et la vigueur de l’accouchement. En effet, un accouchement est véritablement un moment fort et intense, que j’espère réussir à vous retranscrire sur cette toile.

Voici donc ce que j’ai réalisé le 19 septembre (la 1ère séance de reprise), avec un reprise des deux sphères du bas.

En voici des détails :

Ensuite, la séance du 26 septembre m’a permis de peaufiner les sphère, améliorer leur rondeur, et d’enfin retravailler les rubans argentés qui faisaient sales depuis un petit moment. Par contre, j’ai perdu sur la sphère du haut à droite, j’ai essayé quelque chose, mais la peinture n’a pas tenu…

J’ai aussi beaucoup repris la jonction entre les 2 sphères qui ont pris à présent un aspect une peu vivant, avec un coté veiné.
Elles peuvent à présent paraître un peu étranges, mais je vais tout faire pour donner de la joie et du dynamisme à cet aspect organique.

En voici des détails :

Comme vous pouvez le constater, il y a la dose de peinture…

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En effet, le nom “Naissance” était provisoire, à défaut de mieux. Et du coup, j’ai trouvé : “Nat&Sens” !

Phonétiquement, cela fait Nathaissanse, qui est un mix de Nathan, Naissance, Essence et Sens, ce qui tombe bien, vu que c’est ce que représente ce tableau : le mélange de tout cela. Pour moi, la naissance est le moment où l’on reçoit le plus de nouveauté, par le changement d’environnement. En passant du liquide à l’air, du protégé à l’exposé, du chaud au froid, du tamisé au lumineux, et j’en passe… C’est presque un choc ! Ce qui explique toutes ces vagues argentées sur le tableau, symboles de ces vibrations nouvelles.

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J’ai cherché à refléter dans ce tableau les différentes émotions qui traversent tout homme (dont moi) assistant à l’accouchement de sa Bien-Aimée.
Du coup, tout est parti de Wikipedia, sur lequel j’ai cherché comment était décrit le mot « sentiment ». Quelle ne fut pas ma surprise lorsque je suis tombé sur une certaine théorie, celle des « Émotions de base » :

Les émotions secondaires quant à elles seraient des mélanges des émotions de base (exemple: la nostalgie). On parle aussi d’émotions mixtes pour nommer les émotions secondaires. Par exemple, la honte est une émotion mixte, à la base un mélange de peur et de colère (bloqué ou retournée contre soi).
Autres exemples (vous pouvez jouer vous-même à les mixer) : la nostalgie, l’amour, la haine, l’envie, la gratitude, la rancune, l’anticipation, la confiance, l’embarras, la honte, la méfiance, l’humiliation, le mépris, l’approbation, le dédain, la fierté, la sincérité, la tromperie, la culpabilité, la mélancolie, le sentiment d’abandon, la passion, l’insécurité, etc., etc.

En un mot, les sentiments pourraient être décrits comme les couleurs : on a nos couleurs primaires (jaune, cyan, magenta), comme les sentiments de base, avec lesquels on peut jouer pour faire toutes les couleurs de l’arc-en-ciel.
D’ailleurs, ne dit-on pas « vert de peur », « rouge de colère », ou encore « une peur bleue » ?

J’ai un peu l’impression de découvrir une évidence, mais pour moi, en prendre conscience est une vraie joie. Du coup je me suis amusé à utiliser cette théorie à ma sauce.

Concernant le tableau en lui-même, je trouve que l’ensemble de losanges verts fait un peu perdu dans la toile. Je pense corriger ça en rajoutant la prochaine fois un cadre supplémentaire dans la toile. Je ne sais pas pour l’instant comment le faire, mais je vais trouver.

Détail (cliquer dessus pour le voir en plus grand) :

L’article Oxys : presque la fin est apparu en premier sur Tepee.

Mais avant tout, faisons un petit retour en arrière.

Au début de la dernière séance, tout va bien. Je me suis mis à reprendre le volume des 2 sphères du bas, au couteau. Je me suis donc amusé pendant 4 heures à ajouter des lignes directrices selon leur longitude, à placer un reflet (celui de la petite sphère du centre) presque blanc sur chacune d’elle et aussi les contre-reflets sous elles, et enfin à retravailler la jonction entre elles.
J’étais franchement très content du résultat. L’effet de relief était saisissant.

Mais en même temps, pendant toute cette première étape, le doute s’était immiscé…
En effet, les zones que j’avais protégées (certaines bandes argentées) étaient pour certaines pile sur des effets – reflets, rencontre entre les 2 sphères – pour lesquels j’étais particulièrement content. Je me suis donc déjà préparé à éprouver de la frustration pour la deuxième étape, celle où j’enlèverai la bande de gomme liquide devenue solide à la séance précédente.

Arrive la deuxième étape, celle de révéler les zones protégées.
Normalement, la gomme liquide une fois solidifiée doit s’enlever comme un film plastique, bien résistant. Hélas, bien que placée depuis la semaine dernière, celle-ci m’a fait tout le contraire ! Eh oui, la peinture de la séance précédente avait déjà « mangé » cette gomme pour ne faire plus qu’un avec elle. Le résultat, une sorte de pâte caoutchouteuse très semblable à certains vieux chewing-gum encore collants que vous pouviez trouver sous certaines tables de classe. Beurk ! Du coup, j’ai galéré pendant 2 heures à enlever cette pâte qui partait par petits paquets gluants, laissant des traces derrière elle.

Je suis déçu déçu déçu (et c’est un euphémisme).
Du coup, pas de photo pour ce post…

[Edit du 15 juin 2009 : J’ai retravaillé dessus le week-end dernier, et le résultat est finalement pas mal… C’est juste que sur le moment, c’était différent de ce que j’avais prévu.
Je dirais même que cela devrait me permettre d’aller au-delà de ce que mon esprit m’aurait limité… donc c’est tant mieux ! Ouf ! Bientôt des photos]

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Alors voici les dernières nouveautés :
La couleur cuivrée a « un peu viré » sur le rose depuis la semaine dernière. C’est une belle surprise que j’accepte.

J’en profite pour vous mettre une vue plus large, avec en fond l’œuvre d’un autre élève de l’atelier… Joli, non ?

Là encore, j’ai eu envie d’utiliser des rubans de masquage, pour envisager un travail en matière. J’en ai profité pour cacher quelques éléments que voulait faire réapparaître plus tard.

Et voilà le résultat avec une intervention au couteau. J’ai cherché à faire un effet émeraude pour avoir un beau contraste.

Et une vue de détail :

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(Cliquez sur les photos pour les voir en plein écran)

Et enfin, j’ai continué à retravailler les volumes au couteau :

Quelques détails :

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